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Imagerie:

L’explosion de l’imagerie du premier baroque a engendré une dépendance presque exclusive de Grenade, avec Pedro de Mena à sa tête, bien que le cercle Mora, Jerónimo Gómez et le natif d’Antequera Antonio del Castillo aient également apporté des œuvres. Mena est à l’origine de l’emblématique Christ de la Bonne Mort, disparu en 1931 et, bien qu’avec les traces des vicissitudes subies, la sculpture actuelle de la Vierge de l’Espérance est encore liée à ses ressources et à son graphisme.

Au XVIIIe siècle, une série de sculpteurs du cercle de Malaga émergera de l’influence de Grenade. La famille Asensio de la Cerda, très prolifique, a fini par définir le modèle de la « dolorosa malagueña », au geste intime et généralement destinée au culte domestique. C’est le modèle représenté par les vierges des Dolores del Puente, Dolores de San Juan ou Dolores de la Expiración. Mais surtout, il convient de souligner le génie de Fernando Ortiz, avec des chefs-d’œuvre tels que le Cristo del Amor, Jesús Orando en el Huerto et la Virgen de Servitas.

Le XIXe siècle est marqué par la saga de la famille Gutiérrez de León, une entreprise qui s’est distinguée par le modelage de l’argile et les thèmes costumbristes, bien qu’elle ait également travaillé sur des images, comme la Virgen de la Amargura, de Zamarrilla.

Le XXe siècle sera marqué par la perte de l’héritage des assauts contre les temples en 1931 et 1936. Une fois encore, ce sont les artisans de Grenade et de Malaga qui reconstruiront ce qui a été perdu. Deux noms présentent un intérêt particulier : José Navas-Parejo, qui recréera fidèlement des icônes disparues, comme Jesús « El Rico » ou Jesús de la Misericordia ; et Francisco Palma Burgos, qui reprendra les commandes de son défunt père, Francisco Palma García, en apportant son propre langage moderne et suggestif, ainsi qu’en récupérant des chefs-d’œuvre de Palma García comme la Piedad et en parvenant à recréer habilement, sans le copier, l’emblématique Cristo de Mena.

À ces contributions, il faut ajouter trois images de premier ordre provenant du Levante espagnol : deux œuvres de Mariano Benlliure (le Nazareno del Paso et le Cristo de la Expiración) et le Cristo Resucitado, de José Capuz, commandé par l’Agrupación de Cofradías elle-même.

C’est à partir des années 1960 (bien qu’il y ait eu des cas antérieurs, comme celui d’Antonio Castillo Lastrucci) que l’école d’imagerie sévillane a pris en charge les nouvelles commandes des confréries, coïncidant avec l’air de renouveau d’une Semaine Sainte plongée dans une grave crise. C’est l’époque de noms comme Antonio Eslava, Francisco Buiza, Luis Ortega Bru, Álvarez Duarte, Antonio Dubé de Luque, Juan Manuel Miñarro ou Navarro Arteaga, entre autres, qui ont apporté au fil des décennies des images de fort charisme, de personnalité marquée ou d’attrayantes dolorosas traditionnelles, selon les cas.

Ce n’est qu’au XXIe siècle que des noms importants sont réapparus dans le cercle de Malaga, avec Suso de Marcos à la tête et d’autres comme Juan Manuel García Palomo, Israel Cornejo, José María Ruiz Montes ou Juan Vega, garantissant la survie d’une profession séculaire.

Les thrones

Le XXe siècle a marqué un changement dans le concept des trônes de procession. Jusqu’alors, les « andas » (structures portées sur les épaules), petites et modestes, étaient monnaie courante, sous la forme de « parihuelas » (chariots) sur lesquels était placée l’image du saint patron. Il est vrai qu’au XVIIIe siècle, quelques plateformes en argent d’une certaine richesse sont documentées, mais il s’agit de cas isolés. C’est à la fin du XIXe siècle que s’établissent des trônes généralement simples, rectilignes et aux détails historicistes.

La figure du sculpteur Luis de Vicente, originaire de Grenade, dans les années 1920, représente une relecture des concepts de volumes des trônes de Malaga, qui se reflètent principalement dans les travaux réalisés dans les archiconfréries de La Esperanza et de La Sangre.

Ce qui semblait se consolider comme le trône de Malaga fut brusquement brisé par les événements de 1931 et 1936.
Dans les années 1940, en pleine période de provisoire, avec des trônes fonctionnels surchargés de fleurs pour compenser le manque de faste, un décret de l’évêque interdit aux confréries de sortir de l’intérieur des églises. Cela a entraîné un changement brutal dans la conception du trône de procession, notamment celui des vierges. Il convient de mentionner ici des sculpteurs tels qu’Adrián Risueño, Nicolás Prados López et Pedro Pérez Hidalgo, qui ont conçu des retables ambulants de grande envergure. L’originalité de Cristóbal Velasco mérite une mention spéciale, car il fournira des solutions très colorées pour l’éclairage des coins de ses trônes.

Aujourd’hui, à quelques exceptions près, tous les originaux ne sont plus utilisés. Dans les dernières décennies du XXe siècle, ils ont été remplacés surtout par des travaux d’orfèvrerie, principalement par le sévillan Talleres Villarreal ; mais au XXIe siècle, l’intérêt de recréer les lignes du trône remplacé a commencé à prévaloir, avec des exemples brillants comme celui de la Virgen de la Soledad de Mena ou celui de Jesús "El Rico". 

D’autre part, l’air de la rénovation à partir des années 1960, dans lequel l’esthétique des confréries sévillanes a gagné en influence, a donné lieu à un modèle commun aux confréries nouvellement fondées et à la rénovation d’autres classiques : la recherche d’une taille qui leur permette d’entrer dans la cathédrale ou de sortir du temple et la création de trônes dorés pour les images de la Vierge et de trônes dits « bombo », en bois sculpté et généralement dorés, dans le cas des images du Christ. La confrérie de Las Penas présente de brillants exemples de ces modèles.

Ces modèles ont été généralisés, mais il y a toujours eu des propositions isolées, notamment dans les cas des trônes du Cristo de la Expiración et du Santo Sepulcro, et dont la trilogie a été complétée par le récent trône du Cristo de la Redención.

L'Art de la Broderie:

Des tuniques pour les images du Christ ; des cottes, des manteaux et des coiffes pour les images de la Vierge, qui marchent également sous des auvents aux plafonds et aux draperies brodés. Des objets tels que des écritures, des étendards représentant la confrérie... Ce sont quelques-uns des espaces où un art immémorial et artisanal comme la broderie est exposé dans toute sa beauté.

De nombreux ateliers professionnels maintiennent leurs emplois grâce au rôle des confréries, qui s’efforcent d’améliorer et de rénover leur patrimoine artistique historique dans une discipline qui a été dominée pendant une grande partie du XXe siècle par les couvents de religieuses et dont les ateliers professionnels retrouvent aujourd’hui l’hégémonie qu’ils avaient notamment aux XVIIe et XVIIIe siècles.

La broderie est une technique très complexe et patiente. En règle générale, le fil d’or est disposé sur des structures en tissu et en carton qui leur donnent du volume, adoptant des formes généralement inspirées de motifs végétaux, et où le style baroque est prédominant.

De tous les éléments brodés qui sont portés pendant la Semaine Sainte, les manteaux des « dolorosas » (vierges) sont sans doute les plus frappants : des vêtements qui, à Malaga, peuvent mesurer plus de huit mètres de long, et qui nous surprennent par un étalage de richesse sur des velours noirs, verts, rouges, bleus, violets... Au-dessus, les palliums, avec leurs dessins et coupes originaux, nous aident à identifier et à donner une personnalité à chacune des confréries. Il n’y a pas deux palliums identiques.